Mit „Origin“ möchte Ava DuVernay Menschen über alle Grenzen hinweg vereinen

Auf den ersten Blick ist Isabel Wilkersons Bestseller 2020: Kaste: Die Ursprünge unserer Unzufriedenheit, scheint nicht an die große Leinwand anpassbar zu sein. Man könnte sich vielleicht einen Dokumentarfilm oder etwas Episodenartiges vorstellen, das sich über verschiedene Epochen und Regionen erstreckt. Aber Ava DuVernay, die visionäre Oscar-nominierte Regisseurin von Filmen wie Selma Und 13, sah immer seine Feature-Möglichkeiten. „Ich habe das Gefühl, dass die Erzählform mir hilft, Emotionen zu vermitteln“, sagt sie kürzlich während eines Zoom-Gesprächs auf Herkunft, ihre monumentale Adaption und Erweiterung von Wilkersons Text, die derzeit in den Preisverleihungsgesprächen steht (und jetzt in den Kinos läuft). „Was mich wirklich interessierte, war herauszufinden, wie man das Material und die anthropologische These in Wilkersons Buch nutzen kann, um Empathie zu erzeugen und Verbindungen zwischen Menschen auf verschiedenen Seiten der Gräben, in denen wir uns befinden, (hervorzuheben). Und ich glaube nicht „Es gibt eine höhere Form der Empathiemaschine als Filme“, sagt sie und zitiert den verstorbenen Filmkritiker Roger Ebert.

DuVernay baut durchweg eine glühende Empathiemaschine auf Herkunft, ein Film mit großen Ideen, der die Diskussion über Rassismus und die globalen Kastensysteme neu gestaltet, indem er Beispiele aus verschiedenen historischen Berührungspunkten zieht, vom Nazi-Deutschland aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs über den Jim-Crow-Süden bis nach Indien und der Ermordung von Trayvon Martin. Die Hauptrolle in ihrer Adaption spielt Aunjanue Ellis-Taylor, die den brillanten und angesehenen Pulitzer-Preisträger Wilkerson spielt, während sie ihre Trauer über den Verlust ihrer Mutter, ihres Mannes und ihres Cousins ​​verarbeitet und ihr bahnbrechendes Werk schreibt. (Zur hochkarätigen Besetzung gehören außerdem Niecy Nash-Betts, Jon Bernthal, Vera Farmiga, Nick Offerman und Victoria Pedretti.) Während DuVernay Wilkersons Reise verfolgte, ging sie ihren eigenen, unbekannten Weg. „Was einen Künstler ausmacht, ist der Schritt in die Ungewissheit“, sagt sie. „Man betritt mutig die Orte, an denen man sich unwohl fühlt, und daraus entsteht die Kunst.“ Der Ort, an dem ich nicht weiß, ob das funktionieren wird, ist der Ort, an dem der Schatz liegt.“

Im Folgenden bespricht DuVernay, wie sie eine solch komplizierte Produktion unabhängig zustande gebracht hat, und schlüsselt bestimmte Szenen davon auf Herkunft und spricht darüber, wie Walter Salles 1998 für den Oscar nominiert wurde Hauptbahnhof bewegt und inspiriert sie weiterhin.

Sie verknüpfen Ideen rund um Liebe und Trauer, auf persönlicher Ebene, auf Mikroebene und im Laufe der Geschichte – auf wunderbare Weise Herkunft.

Ich dachte über mein übergeordnetes Ziel nach, das darin bestand, ein Bild davon zu zeichnen, was „Kaste“ bedeutet, nicht nur im sozialen oder kulturellen Rahmen, sondern als persönliche, intime Erkundung unseres Inneren. Die Leute sagen, dass Trauer Liebe ist, die nirgendwo hingehen kann, und ich habe das Gefühl, dass das eine echte treibende Kraft für mich war, zu sagen: „Wenn ich dieses große, widerspenstige, schwer verständliche Thema namens Kaste erklären will, wie mache ich das?“ das außerhalb eines dokumentarischen Rahmens? Wie mache ich das außerhalb von etwas, das sich akademisch anfühlt?“

Der Weg dazu besteht darin, nach innen zu gehen und intim zu sein. Der Raum, in dem Menschen jemanden verloren haben, ist ein gemeinsamer Raum, der sich im Grunde für alle gleich verhält. Äußerlich sieht es vielleicht anders aus, aber im Inneren herrscht Dunkelheit und Verletzlichkeit. Das ist die höchste Modalität der Liebe. Während ich versuche, die großen historischen Teile des Buches zu adaptieren, spreche ich auch mit Isabel Wilkerson selbst als Frau und höre mir ihre Geschichten über ihre Familie, die Verluste ihres Mannes und ihrer Mutter, ihrer Cousine und das Verflechten dieser Geschichten an die größeren, konzeptionelleren Themen.

Wie eng war Wilkerson involviert? Obwohl es sich um eine Adaption ihres Buches handelt, erweitern Sie es in vielerlei Hinsicht.

Sie war sehr zurückhaltend. Sie versteht sich als Geschichtenerzählerin und war sehr dankbar, dass man den Prozess am besten frei und ohne jemanden, der einem auf der Schulter sitzt, durchführen kann. Wir haben uns ein paar Mal getroffen. Sie teilte ihr Leben mit mir, und dann gab sie es mir und ließ mich damit laufen und lud mich ein, es so zu interpretieren, wie ich es für richtig hielt.

Aunjanue Ellis-Taylor ist als Wilkerson unglaublich. Kürzlich hast du auf deinem Instagram etwas sehr Emotionales geteilt– ein Video, in dem sie Postkarten an die Leute verteilt, damit sie sie sehen können Herkunft. Was ist Ihnen in den Sinn gekommen, als Ihnen klar wurde, dass sie das getan hat?

Ich wünschte, sie wäre mit den schicken Kleidern an diesen erhabenen Orten und würde auf diese Weise ins Rampenlicht gerückt. Und es war auch eine tiefe Erkenntnis des Engagements einer Künstlerin für ihre Arbeit; sich nicht in was suhlen war nichtaber in was präsent sein WarDies war eine Gelegenheit, mit Menschen im Hier und Jetzt über den Film in Kontakt zu treten. Zu sagen: „Ich möchte diesen Film verstärken. Ich möchte, dass meine Leistung Menschen berührt. Ich werde rausgehen und ihnen etwas geben.“ Es ist eine außergewöhnliche Sache. Es hat meine Perspektive verändert. Ich habe gesehen, was sie bei der Aufführung trug. Natürlich möchte ich, dass sie gelobt wird. Aber sie hat mir geholfen zu verstehen, dass sie das nicht unbedingt brauchte, um sich selbst zu feiern und den Auftritt alleine zu teilen.

Dieses Engagement fühlt sich auch wie ein Beweis für die Unabhängigkeit der alten Schule an, die Sie sich vorgenommen haben Herkunft. Welche Regeln mussten Sie brechen, um etwas zu schaffen, das sich so groß und unabhängig anfühlt?

Die Hauptregel war, nicht den einfacheren Weg (mit der Finanzierung) zu gehen. Dies war keine Situation, in der wir abgelehnt wurden oder in der jedes Studio in der Stadt Nein sagte. Aber das ist eines dieser Dinge, bei denen man hören würde: „Ich habe sieben Jahre gebraucht, um den Film zu drehen.“ Ich war einfach nicht bereit, so lange zu warten. Diese Botschaft hat eine Dringlichkeit im Hinblick auf die Förderung einer fließenden Beherrschung und Alphabetisierung dieser Ideen: der Idee von Kasteismus und Hierarchien und wie wir miteinander umgehen sowie Höflichkeit, Würde und Erosion der Freiheiten, für die so viele von uns so hart gekämpft haben für. Dies ist jetzt, in diesem Jahr, die öffentliche Diskussion, und die Rhetorik rund um den Machtwechsel wird sie noch verschärfen.

Also musste ich es jetzt rausholen. Die größte Herausforderung bestand darin, zu sagen: Wir werden nicht auf die Erlaubnis warten. Wir werden gleichgesinnte Organisationen und Einzelpersonen finden. Wir werden gemeinnützige Organisationen dazu bringen, einen Film zu finanzieren, der wie ein Studiofilm aussieht. Aber wenn das schlagende Herz unabhängig ist, ist es ein freier Ausdruck. Das machte den Unterschied.

Ich möchte über die Bücherverbrennungsszene am Bebelplatz in Deutschland sprechen, wo tatsächlich Bücherverbrennungen stattfanden. Es ist so mächtig.

Es spricht direkt das Genie meines Produktionspartners Paul Garnes an. Wir waren zwei schwarze unabhängige Produzenten, die beschlossen, in die Welt zu gehen und diesen Film ohne Studiounterstützung oder Unterstützung zu drehen, und dennoch begleitete er uns nach Berlin, Deutschland, und wir kamen mit dieser Szene heraus. Diese Gewalt gegen die Demokratie geschah genau auf dem gleichen Kopfsteinpflaster, auf dem wir standen und sie nachahmten. Wir fliegen das Hakenkreuz in einem Land, in dem dies illegal ist. Wir haben tausend Statisten, die als Nazi-Soldaten verkleidet sind Heil-ing, auch illegal zu tun. Wir haben ein riesiges Lagerfeuer, echtes Feuer (lacht), und wir werfen diese Bücher hinein.

Eine andere Szene, die ich erwähnen möchte, ist die Szene mit Al Bright, dem schwarzen Jungen, dem es 1951 nicht erlaubt war, ein Schwimmbad zu benutzen, dessen Geschichte Sie so niederschmetternd erzählen. Ich glaube, die Geschichte wird von einem Hintergrundschauspieler am Set erzählt, der in seinem Leben etwas Ähnliches erlebt hat.

Eines der Dinge, die wir bei diesem Film und generell bei meiner Arbeit versucht haben, ist sicherzustellen, dass jeder das Gefühl hat, eine Stimme zu haben. Wenn ich die Sprache dieses Projekts verwende, geht es darum, die Kaste, also jede Art von Hierarchie, zu durchbrechen. Am Set dürfen einige Leute sprechen, andere nicht. Sicherlich gelten die Hintergrunddarsteller an vielen Sets als die niedrigsten. Sie sind nur für einen Tag da. Sie sind da, um das Bild zu ergänzen.

Aber ich habe sie schon immer als die großartigen Farben in meiner Palette angesehen, mit denen ich Geschichten erschaffen kann. Ich hatte mich mit einem Hintergrundschauspieler unterhalten, der mir etwas erzählte, das ihn an die Szene erinnerte, die wir gerade drehen würden. Ich fragte ihn, ob er mir die Geschichte dieser Szene mit der Emotion seiner Erinnerung erzählen könnte. Er sagte, dass er es versuchen würde. Also schickte ich ihn in eine weit entfernte Gegend, um die Szene zu lesen. Er hat es in einem Take geschafft. Es zeigt, dass wir zuhören und Menschen einbeziehen sollten, die traditionell unzentriert sind. Aber ich denke auch, dass es die Magie und das Wunder des Filmemachens widerspiegelt. Wenn du offen für den Moment bleibst, können schöne Dinge entstehen.

Für die Spalte „Standbild“ haben Sie ausgewählt Hauptbahnhof (1998, Walter Salles), insbesondere die letzte Sequenz, in der sich Isadora (Fernanda Montenegro) und Josué (Vinícius de Oliveira) – der kleine Junge, der eine Zeit lang von ihr betreut wurde – trennen.

Dies ist ein Film, der mich sehr berührt hat – eine Frau, die keine Kinder hat, die, nachdem sie Zeugin eines tragischen Vorfalls geworden ist, versucht, einen kleinen Jungen, der seine Mutter verloren hat, seinem Vater zu übergeben. Es sind diese kinderlose Frau und dieser mutterlose Junge, und (die Verbindung), die sie auf ihrem Weg bilden. Es ist eine Romanze im wahrsten Sinne des Wortes, bei der sich zwei Herzen treffen. Es ist eine Liebesgeschichte zwischen diesem Duo und ein Roadmovie. Es sind all diese Dinge. Am Ende bricht mich ihr Abschied jedes Mal im wahrsten Sinne des Wortes. Die Aufnahme ist ganz einfach: Es ist eine Nahaufnahme von Montenegros Gesicht, und dann sieht man den Jungen. Im Grunde ist es ein Querschnittsthema. Er rennt in der Hoffnung, sie zu erwischen, und sie fährt mit dem Bus nach Hause, und wir wissen, dass er sie niemals erwischen wird. Aber an diesem Punkt des Films betet man irgendwie um ein Wunder. Sie beten, dass der Bus anhält, Sie beten, dass sie zurückblickt. Sie hoffen wider alle Hoffnung, dass die beiden zusammen sein werden.

Sie holen diesen kleinen Sucher heraus, der ihnen aus der Tiefe des Films eine Erinnerung aneinander gibt, und das festigt nur ihre Verbindung. Es sind nur ihre Gesichtsausdrücke und diese beiden Aufnahmen, und sie sind so quergeschnitten, dass wir den Atem anhalten. Wir trauern, wir feiern. Alles spiegelt sich in ihrem Gesicht wider, die Freude über diese Frau, die diese widerwillige Beschützerin dieses Jungen gewesen war. Unterwegs lernte sie so viel über sich selbst. Ihr Herz hat sich auf eine Weise erweitert, dass sie nie mehr dieselbe sein wird. Und das wird er sicherlich nicht.

Wenn ich an einen Film denke, der all das tut, was ich mir von meinen Filmen erhoffe, nämlich das Herz zu öffnen, die molekulare Struktur auf irgendeine Weise zu verändern und anders zu denken, um das Beste aus Menschlichkeit und Würde zu erreichen, dann hat dieser Film das geschafft Für mich. Es hat wahrscheinlich auch Anklang gefunden, weil ich keine Kinder habe, und ich könnte mir vorstellen, dass ich einem Kind helfen möchte, das nicht mir gehört. (Aber ich wäre wahrscheinlich etwas netter damit umgegangen (lacht).) Es gab eine Verbindung zwischen dieser Figur und meiner eigenen Erfahrung.

Ich liebe die sanfte, zarte Art davon. Es ist wirklich ein einfacher, ruhiger Film über zwei Menschen, die sich durch die Landschaft bewegen. Aber es ist so wirkungsvoll wie etwas Großes und Mitreißendes, wie z Schindlers Liste mir. Dies ist die Fähigkeit des menschlichen Herzens. Es nimmt viele Formen an und darin liegt Schönheit, selbst im härtesten Herzen.